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Paco De Lucía

Francisco Sánchez Gómez nació en Algeciras, Cádiz, en 1947. Quinto hijo del algecireño Antonio Sánchez y la portuguesa Luzia Gómez (de ahí su nombre artístico) comenzó a tocar la guitarra con su padre y su hermano Ramón como profesores. A las dotes naturales de Paco se unió una enorme dedicación a la guitarra, la constancia en el estudio y el hecho fundamental en el flamenco de vivir rodeado de artistas de este mundo.
Con 14 años, Paco a la guitarra y su hermano Pepe al cante graban su primer disco tras ganar el concurso del Teatro Villamarta de Jerez y justo antes de que la familia se traslade a Madrid, donde el joven Paco comienza a despuntar. Allí continua grabando discos acompañando a cantaores y en 1964 grabará su primer disco en solitario. Tres años después comenzará la que ha sido la pareja flamenca más importante de la historia al comenzar a actuar con Camarón.


A lo largo de trece discos y numerosas actuaciones los dos artistas renovaron el lenguaje flamenco y se convirtieron un modelo a imitar para muchísimos otros músicos, flamencos o no. En 1967 graba su primer LP, "La fabulosa guitarra de Paco de Lucía" y en el 73 "Fuente y Caudal" que incluye la ya mítica rumba "Entre dos aguas" y le dispara a la fama.

Aquí aparece el gran punto de inflexión que ha marcado Paco de Lucía en la música flamenca: Su estilo rompe con el tradicionalismo flamenco e incorpora no solo sus técnicas propias, sino un nuevo universo de sonido no conocido hasta entonces: la fusión con el jazz; el uso de los efectos de amplificación para la guitarra; el apoyo del cajón o el bajo eléctrico... no sin pocos detractores, pero si con muchísimos seguidores, que le reconocen como el responsable del auge del flamenco en el último cuarto de siglo, no solo en España sino en todo el mundo, su éxito internacional es imparable y es una auténtica figura en países como Estados Unidos o Japón. De todas formas, tampoco hay que olvidar la aportación a esta revolución de otros artistas como Serranito y especialmente Manolo Sanlucar.

Paco ha colaborado con muchos músicos, pero de entre todos sobresalen sus actuaciones junto a los guitarristas John McLaughlin y Al di Meola, el pianista Chick Corea y su actual sexteto, con el que ha grabado algunos de sus mejores trabajos.

Como guitarrista Paco es un prodigio técnico, no hay ningún otro guitarrista que sea capaz de tocar con esa potencia y velocidad y aún así sacar un sonido limpio y colorido. Como compositor, Paco es el responsable de algunos de los más logrados y populares toques del flamenco: "Entre dos aguas", "Guajiras de Lucia", "Monasterio de sal", "Rio ancho"... desde sus inicios siguió la escuela guitarrística del Niño Ricardo hasta que conoce a Sabicas en Nueva York y este se convierte en su nuevo punto de referencia: "Yo, hasta que descubrí a Sabicas, pensaba que Dios era Niño Ricardo, y de alguna manera aprendí de su escuela y su estilo, pero cuando conocí a Sabicas me di cuenta de que en la guitarra había algo más. Con Sabicas descubrí una limpieza de sonido que yo nunca había oído, una velocidad que igualmente desconocía hasta ese momento y, en definitiva, una manera diferente de tocar"

De lo que no cabe duda es de una forma o de otra estamos ante uno de los grandes talentos de la música de este siglo, un hombre que ha hecho del trabajo duro su mayor virtud y que nos ha regalado un buen número de fantásticos discos y actuaciones sin por ello perder la humildad que siempre le ha caracterizado.

Una leyenda: Randy Rhoads

Rhandy Roads fue uno de los mas grandes guitarristas a pesar de su pronta muerte. Fueron solo dos discos los que logro realizar con Ozzy Osbourne, pero bastaron para dejar testimonio de su gran virtuosidad. Estudió guitarra clásica y electrica para poder combinar ambos elementos. Randy Rhoads nació un 6 de Diciembre de 1956 en Santa Mónica, Estados Unidos. Empezó a tocar la guitarra desde pequeño. 

Fue influenciado por diferentes tipos de guitarristas, lo cual fue formando su particular estilo de tocarla. Antes de tocar con Ozzy, Randy integró el conocido grupo de rock Quiet Riot (con la típica canción "Cum On Feel The Noize"). Con ellos alcanzó a sacar dos discos, pero sólo lanzados en Japón.

Randy llegó a Ozzy por Dana Strum. En ese tiempo Ozzy Osbourne estaba cesante porque lo habían despedido de Black Sabbath, y su esposa Sharon Arden le había sugerido que iniciara una carrera como solista, porque ella encontraba que Ozzy tenía mucho talento. En la audición para la banda de Ozzy, Randy sólo tuvo que tocar 5 minutos... Ozzy quedó impresionado con la forma de tocar de Randy; ya estaba en la banda. El 19 de Marzo de 1982 Ozzy y su banda viajaban hacia Orlando. Durante el camino Randy le insinuó a Ozzy que quería dejarlo para aprender a tocar mejor guitarra clásica. Ozzy ahora piensa de que si Randy no se hubiera muerto, no estaría tocando con él.

El estilo de Randy Rhoads es muy característico. Combina el estilo neo-clásico de Yngwie Malmsteen con punteos pentatónicos de gran velocidad. El virtuosismo estaba muy presente en su estilo. Sus riffs tenían mucha gracia y melodía, y a la vez fuerza. Su uso de la escala pentatónica era espectacular... tocaba licks y frases clichés a gran velocidad. Las escalas mayores al estilo neo-clásico las tocaba de una forma maestral. Los hammer-ons, pull offs y legato phrasing estaban muy presentes en sus solos. El era un guitarrista muy completo. También le interesaba mucho la guitarra clásica (quería estudiarla), como esta demostrado en "Dee". Para él no era suficiente sólo la velocidad, sino la melodía y el sentimiento. Velocidad y sentimiento, virtuosismo y feeling, eso era él, una leyenda.

Randy Rhoads murió el 19 de marzo de 1982. La banda se dirigía a un festival en Orlando, Florida, y se detuvieron en la casa del conductor del microbús, Andrew Aycock. El mismo se fue más temprano con Randy y la maquilladora Rachel Youngblood a dar un paseo en aeronave en una pista privada, mientras el resto de la banda seguía en el autobús durmiendo, èstos sobrevolaron una y otra vez muy cerca del autobùs, hasta que una de sus alas golpeo el bùs, lo cual causò una desviaciòn de la aeronave hacìa la casa, la cual se incendio e hizo perecer a los tres ocupantes de la aeronave, entre ellos Randy Rhoads.

Jeff Beck

Un verdadero peso pesado del rock que ya militaba en las filas de los Yarbirds, alguien que "ha estado alli" en varios momentos cruciales de la historia de la guitarra de rock. Perteneciente a la andanada de grandes guitarristas británicos que tomarian los USA a modo de peloton (Page, Clapton, etc.) el estilo guitarristico de Beck se basa en una gran capacidad para concentrar la energia en la frase y en un derroche de electricidad reconcentrada de tremenda efectividad expresiva, o si se quiere de otro modo. Hablamos de uno de los pioneros del lenguaje de la guitarra rock ("un guitarrista de rock de estar al borde de la autocombustion" Sting). Militante en multitud de formaciones, colaborador de lujo en muchisimos proyectos de envergadura, la carrera de Beck se ha movido entre lo genial y lo imprevisible.
Un hombre capaz de plantar a los Rollings Stones a pocas fechas de iniciar una gira, que puede desaparecer del mundo unos años sin dejar rastro, componer un discobiblia como Blow By Blow o destaparce con uno de los usos mas originales y creativos del brazo del vibrato que conoce la historia del rock, Where were you, es sin duda alguien a tener en muy cuenta. Absolutamente imprescindible en cualquier discoteca de rock.

Se viene la reedición de la Gibson Les Paul Custom 1974 de Randy Rhoads

Gibson ha comunicado que se va a comercializar la reedición de la legendaria Gibson Les Paul Custom 1974 del querido Randy Rhoads. Se trata de la guitarra que Randy utilizaba cuando tocaba junto a Ozzy Osbourne en discos tan venerados como “Blizzard of Ozz” y “Diary of a Madman”.

La encargada de reencarnar esta guitarra es la Gibson Custom Shop, se esperan más detalles en las próximas semanas.

Billy Gibbons "Les Paul 1959" Reedición

La Gibson Les Paul 1959 (Pearly Gates) ha sido siempre la preferida de Billy Gibbons y ha aparecido en cada una de las portadas de ZZ Top. Una guitarra única que ha sido recreada por los luthieres de la Gibson Custom Shop hasta el último detalle, desde los componentes hasta cada arañazo de la guitarra original (más o menos como ocurrió con la Yngwie Malmsteen Fender Custom Shop “Playloud”).


Como era de esperar, la guitarra se verá limitada a la producción de 350 unidades, de las cuales 250 tendrán el acabado patentado de Gibson V.O.S., 50 tendrán el acabado envejecido al igual que la original Pearly Gates y las 50 restantes tendrán también acabado envejecido y además estarán firmadas por Billy Gibbons.
La guitarra cuenta con micrófonos Seymour Duncan Pearly Gates humbuckers que reproducen con exactitud el tono ‘Texas Blues’ de Billy, hardware niquelado, afinadores Kluson-style tulip, mástil de caoba de una sola pieza con perfil medio redondeado 1959.


El precio como imaginan es prohibitivo y solamente apto para coleccionistas, U$$ 25.882 las unidades envejecidas y firmadas, U$$ 15.294 la versión envejecida y U$$ 11.176 la versión estandar. Más información y fotos en el site de Gibson.


Sinceramente, si no te sobra el dinero o sos fanático de Billy Gibbons o ZZ Top no veo demasiado sentido comprar una guitarra con un precio tan elevado que seguramente distará poco de una Gibson Les Paul de gama alta, con un precio sustancialmente inferior.

Gary Moore: la historia de su les paul y Peter Green

En 1970, el guitarrista irlandés Gary Moore, fan de Peter desde su etapa con los Bluesbrakers se había convertido en una especie de protegido suyo. Tras abandonar Fleetwood Mac, un errático y desencantado Green que había empezado a regalar todas sus posesiones terrenales, se reunió con Gary Moore en el club Marquee y le preguntó si quería tomar prestada su Les Paul. Moore aceptó de buena gana y al día siguiente pasó por la casa que tenían sus padres en el sur de Londres para recoger la guitarra.

Moore residía en una pensión llamada Belsize Park y en su habitación no había cerradura así que temeroso de que fuese robada, llevaba la guitarra siempre consigo a donde quiera que fuera. Poco después, Green llamó a Gary para preguntarle si estaba contento con la guitarra y como Moore estaba encantado, Green se ofreció a vendérsela.
Gary Moore no podía permitírsela pero Green le dijo que no estaba interesado en el dinero sino en que la guitarra cayese en buenas manos, así que le ofreció un extraño trato; le daba la Les Paul por el dinero que Moore consiguiese sacar vendiendo la SG que usaba por aquel entonces. Moore solo consiguió 160 libras. Cuando Peter Green pasó a recoger el dinero ni siquiera aceptó las 160 libras, en un primer momento cogió 120, que era lo que el pagó por la guitarra originalmente pero luego solo se quedó con 110.



¿Un regalo envenenado?


La guitarra de Peter Green tiene un lado oscuro. Cuando Peter Green decidió vender su guitarra se la ofreció a otras dos personas a parte de Gary Moore. Una fue Snowy White, a quien no le urgía tal compra porque ya tenía una igual y otra fue Denis Slee, un amigo de Green con el que apalabró la venta por 110 libras, la misma cantidad que cobró de Moore. Cuando Slee se enteró de que Green finalmente había vendido la guitarra a Moore, tuvo una discusión con él. Green le respondió que no se lo tomase mal ya que la guitarra a él solo le había traído desgracias.



Está claro que la suerte que corrió Green no puede ser achacada a una guitarra pero lo cierto es que acabó muy mal. A mediados de los 90, Gary Moore tuvo un sueño premonitorio donde veía como alguien le robaba la guitarra. Ese mismo día, decidió llevarla consigo por no separarse de ella y cuando se dirigía al estudio de grabación en coche, un camión embistió su vehículo por detrás partiendo el mástil de la Les Paul.


El mástil fue reparado poniendo un tornillo pero desde entonces Moore no la volvió a usar demasiado y acabó por venderla en el 2006 a Phil Winfield, dueño de Maverick Music, en Charlotte, North Caroline, USA, se estima que por la friolera de 2 millones de dólares, cometiendo uno de los mayores sacrilegios de la historia del rock. En poco tiempo Winfield la re-vendió en puñalada trapera por una suma todavía mayor causando el enfado de Moore.

Black Label Society nuevo disco 2010

Black Label Society estará editando su nuevo material llamado “Order of the Black” en los Estados Unidos para el 10 de agosto del 2010 a través de E1 Music. El CD estará disponible en Europa a través de Roadrunner Records. “Order Of The Black” contará con 4 artes de tapa diferentes, una para cada territorio (Europa, america, Australia y América del sur). En este artículo queremos presentarle a todos los ansiosos fanáticos de Zakk lo que será una de las 4 tapas.

Este año los Black Label Society estarán en el escenario secundario del Ozzfest, festival encabezado por Ozzy Osbourne y toda su enorme empresa rockera. Para Zakk sin dudas será un gran cambio porque no estará cerrando el festival sino tocando junto a sus amigos de Black Label en el escenario secundario, pero sin dudas no dejará de ser una fiesta para él y todos los seguidores y amantes del buen rock.

El último álbum de Black Label Society ha sido “Shot To Hell” y ha vendido 32.000 copias en los estados unidos en la primer semana, así que esperamos buenas ventas para este nuevo material.

Spinetta pasó por Rosario

El paso de los años le sienta bien al Flaco Spinetta. En el saludo de bienvenida a la legión de fieles que se convocó el sábado en Metropolitano se comprobó que las seis décadas de vida le aportaron un saludable toque mundano.

No es común que el poeta del rock salude a su sobrino nieto Felipe, a su suegro Mario, que estaba en la sala en el día de su cumpleaños, y que trascartón celebre el triunfo de la selección argentina de fútbol. Todo eso sin antes haber tocado un sólo acorde.

Ese otro Spinetta, que además pidió por la pronta recuperación de "una estrella" como Gustavo Cerati, ofreció un show intenso, sutil, de alto vuelo estético, con momentos emotivos y guiños a la nostalgia.
De Spinetta Jade a Almendra, de Pescado Rabioso a Charly García, de Fito Páez a Atahualpa Yupanqui, y de allí a "Un mañana". Esas fueron las rutas que recorrió el Flaco en su show de Rosario, en un viaje placentero y sin tránsito cargado.
"Uno de los problemas que tengo es que no tengo banda" ironizó Luis Alberto Spinetta. Todavía estaba en el aire el final de "Amor de verdad" y ya arrancaba el blues demoledor "Yo miro tu amor". Era como para agrandarse con este grupo: la base de Nerina Nicotra (bajo) y Sergio Verdinelli (batería) fue una pared de sonido y Claudio Cardone, crédito rosarino, cada vez crece más como tecladista, y en el show también exhibió su buen gusto como compositor. Como si faltara algo, tocó como invitado el guitarrista Baltazar Comoto, que es un buen complemento para el Flaco, ya que le da un registro más explosivo al sonido de la banda.

Dos horas de show fueron más que suficientes como para dar un paneo de este presente artístico de Spinetta. Con perlas propias y joyas prestadas, el Flaco va. Porque no sólo apela a la nostalgia con "Cementerio Club", de Pescado, o "Alma de diamante", de Jade, sino que también se luce con versiones bellísimas de "Las cosas tienen movimiento" de "un rosarino divino Rodofo Fito Páez", o la sorpresa de "Filosofía barata y zapatos de goma", de Charly García, a quien identificó como "El flaco", lo que sonó extraño ya que para los presentes existe un solo Flaco en el rock nacional. También hubo lugar para "Guitarra", de Yupanqui y Gieco, y otro tema que hizo con León, "8 de octubre", que muestra su preocupación con la problemática social. En ese registro volvió a brillar "La bengala perdida" y "Alma de piedra".

"Rutas argentinas" llegó para los bises y redondeó un show intimista, cálido, con un Spinetta que es como los buenos vinos, con el paso del tiempo cada día sabe mejor.

Jack White en tres proyectos

El cantante y guitarrista de The White Stripes, Jack White, ha contado en declaraciones a la revista Seattle Times, que actualmente está trabajando en tres álbumes diferentes.
“Estoy feliz porque estoy trabajando en otras tres grabaciones, y no tuve casi tiempo para trabajar en ellas”, ha dicho el cantante. “Realmente estaba preocupádome porque no podría hacer las cosas que quería, por culpa de la gira”. Cuestionado sobre si uno de los proyectos se trataba sobre el segundo álbum de su banda paralela The Raconteurs, White lo negó rotundamente, y además, acrecentó así los rumores que hablan de un posible disco en solitario.

Además, se le volvió a preguntar sobre la situación de The White Stripes, y si la cancelación de los conciertos significaba un próximo final de la banda:
“Si Meg llegara al punto de decir ‘Yo no quiero estar en la banda más, no me llena de ningún modo’, sería una cosa diferente. Pero no dice eso”.

Respecto a su colaboración con Beck, comentó:
“Tenemos algunas buenas canciones. Meg y yo realmente nunca hemos tocado junto a él [Beck], nosotros solo recibimos unas clases en su sala de estar. Su estudio no estaba listo, así que nos instalamos allí. Él nos inspira en la música folk, porque tenemos maneras diferentes de ver ese tipo de música”.

Rage Against The Machine: ¿Nuevo disco?

Rage Against The Machine posiblemente encare la grabación de un nuevo disco de estudio luego de realizar tres shows en el Finsbury Park de Londres. Sería la primera vez que la banda ingrese a los estudios desde aquella vez en el año 2000 para el álbum Renegades.
"Creo que es una posibilidad genuina", afirmó el vocalista Zack de la Rocha en referencia a la grabación de un nuevo LP. "Primero tenemos que conectar nuestras cabezas y pensar que es lo que vamos a hacer el resto de este año y terminar otros proyectos, pero ya nos vamos a poner con ello", completó el vocalista.

Gustavo Cerati: complicado estado de salud

No son alentadoras las noticias del estado de salud del cantante y músico, sobre todo con el paso de los días y la continuidad del estado de daño cerebral.

Hoy se dio a conocer un nuevo parte médico sobre el estado de salud de Gustavo Cerati. La tomografía computada que se le realizó detectó un "infarto extenso" en el hemisferio cerebral izquierdo y daño del tronco cerebral secundario a hipertensión endocraneana"

El músico se encuentra inconsciente pero no sedado, y si bien puede respirar espontáneamente, necesita asistencia mecánica respiratoria.
Además, le están suministrando antibióticos por una infección que presenta en las vías respiratorias. 


Un nuevo parte médico se dará cuando haya cambios significativos en el cuadro del paciente y cuando la familia lo decida.

Cerati fue trasladado el lunes desde Caracas a la clínica Fleni, donde está internado en terapia intensiva.


A todo esto los fans continuan su aliento con mensajes de optimismo para el ex Soda Stereo, no faltan los gestos de apoyo y cariño constante para una pronta recuperación del músico.

Nueva Gibson Les Paul "Appetite For Destruction"

La Gibson Appetite Les Paul conmemora la guitarra que uso Slash en el album debut más vendido de la historia, inmortalizando exitos como "Welcome to the Jungle", "Paradise City" y "Sweet Child of mine".

La original, otrora construída por el luthier Chris Derrig para Slash en el año 1987.

La nueva Les Paul Appetite posee el clásico cuerpo de caoba con mango encolado que debe tener toda Les Paul de pura sangre, presentando una impresionante tapa de maple grado AAA con un acabado "unburst" color Appetite Amber.
El mango tiene un perfíl clásico estilo 58's/60's, bastante delgado que la hace muy comoda para cualquier tipo de estilo, tallado de una sola pieza de caoba, con diapasón de palo de rosa con 22 trastes e incrustaciones trapezoidales.


El hardware de la guitarra es el clásico que equipa a toda Les Paul Standard, puente y cordal TonesPro, y clavijas Kluson. La electrónica posee los nuevos micrófonos Seymour Duncan APH-2 Alnico Pro II Slash (con un poco más de ganancia), que fueron diseñados específicamente para recrear el sonido de la guitarra que Slash utilizó para grabar Appetite for Destruction.

Se comercializa con su estuche conmemorativo y tiene un costo aproximado de U$S 4.700.

Válvulas vs. Transistores: Armónicos

Una de las principales características de un instrumento viene determinada por el nivel de los primeros armónicos. En la clasificación mas simple, los armónicos principales están divididos en dos grupos. Los armónicos impares (el tercero, el quinto...) que producen un sonido pobre o parado. Los armonicos pares (segundo, cuarto, sexto...) que producen sonidos mas musicales y compactos.

La paridad de los armónicos es un factor determinante en la percepción auditiva de la distorsión. Los armónicos impares, propios de las formas de onda simétricas en amplitud, son mas desagradables que los armónicos pares de la misma intensidad. La distorsión congénita del oído humano es la preponderancia de los armónicos pares.

Es importante remarcar que la distorsión armónica de una señal, se ha de considerar la posición de la frecuencia fundamental de excitación en el espectro de frecuencias.
El segundo y tercer armónico son los mas importantes a lo que se refiere a la distorsión de antes. Musicalmente, el segundo esta una octava por encima de la frecuencia fundamental y no siempre es audible, aportando cuerpo al sonido.
El tercer armónico introduce un sonido que muchos músicos lo comparan a tapar el instrumento con una manta y suena apagado. En vez de reproducir un sonido mas lleno, con mas volumen, un tercer armónico con demasiado nivel proporciona un sonido mas metálico que molesta proporcionalmente al crecimiento de su amplitud. A la vez, un segundo armónico con mucho nivel juntamente con un tercero, de nivel importante, tiende a acentuar el efecto de pobreza.

Los armónicos mas altos, por encima del séptimo, proporcionan un tono penetrante y afilado, proporcionando una cesación estridente. Provocar estridencia es equilibrar el tono musical básico, se refuerza la fundamental, proporcionando una buena calidad en los ataques. Hay que destacar que muchos armónicos altos no están relacionados con el tono. Por lo tanto, muchos armónicos altos pueden producir una sensación sonora disonante o áspera, ya que el oído es muy sensible a la contribución de estos y hay que controlarlos.
El uso de transistores puede provocar un zumbido y falta de presencia "PUNCH". El zumbido esta directamente relacionado con el efecto de sobresaturación en los transitorios que provoca esta sensación tan molesta, como el sonido de una mosca. La hipótesis que es ruido blanco proviene de que los armónicos altos, como el séptimo y noveno, no están musicalmente relacionados con la fundamental. Así el oído interpreta las disonancias como un ruido que acompaña a cada ataque de una nota. La falta de presencia es debida al tercer armónico. Todo esto se puede evitar controlando el nivel de los picos que provocan una saturación.

Finalmente deducimos que una de las causas básicas de la diferencia entre el sonido de válvulas y transistores es el peso de las componentes de la distorsión armónica en zona limite del amplificador. Los transistores proporcionan una componente mas fuerte en la distorsión del tercer armónico trabajando al limite. Este produce un sonido apagado y de menor calidad. En cambio una válvula trabajando al limite genera un espectro completo de armónicos.
Cuando en un amplificador a válvulas una señal supera un pico máximo, la frecuencia fundamental va acompañada por todas sus octavas superiores de frecuencia par y en consecuencia no produce un sonido desagradable.

También hay otros factores que diferencian el sonido de las válvulas sobre el transistor (por ejemplo, la influencia del transformador de salida en la reducción de la distorsión por íntermodulación DIM con respecto al amplificador de transistores).

Transistores en circuito
Aunque se tiene la creencia que las válvulas son lineales realmente no los son. La no linealidad de un dispositivo electrónico, introducirá distorsiones sobre la señal fundamental. Concretamente las válvulas ofrecen una distorsión elevada, muy superior a la que nos ofrecen los semiconductores. A diferencia de estos, su distorsión crece con el nivel de la señal de salida, (contra mas señal mas distorsión). En cambio, los semiconductores garantizan unos valores de distorsión, que a parte de ser inferiores a la introducida por la válvula, son constantes, hasta un cierto valor a partir del cual esta, se dispara !!. Parece ser que la evolución de la distorsión de las válvulas es mas parecido a la del oído humano !!!

Este hecho diferencia el sonido procedente de una etapa de válvulas , de una formada por semiconductores.
El uso de válvulas permite trabajar en la zona de sobresaturación sin añadir distorsión objetiva en un margen mas amplio. Es como si trabajara como un limitador y el sonido reproducido con válvula tiene un nivel aparente mas alto. Es como si actuara un compresor y en consecuencia mejora la audición del sonido. También las válvulas suenan mas fuerte y tienen una relación señal-ruido mejor que la de los transistores. Las válvulas proporcionan presencia a partir de su natural e implícita sobresaturación, provocando que las señales fuertes se puedan grabar a niveles altos y las señales débiles son aumentadas de nivel, ganando claridad e inmunidad respecto al ruido de fondo. A parte, las válvulas dan una sensación de buena respuesta en bajas frecuencias.

Algunas desventajas del uso de válvulas son: El uso de tensiones de alimentación muy elevadas para calentar el dispositivo, se calientan fácilmente, son muy frágiles mecánicamente, tamaño voluminoso y tienen vida limitada, necesitando un mantenimiento. A parte de las ventajas ya mencionadas por lo que se refiere a la calidad de reproducción, hay que destacar que es un dispositivo de polarización simple, es difícil quemar una válvula sin darse cuenta y aunque tengan la distorsión armónica elevada, es agradable al oído.
Válvula de vacio en funcionamiento
Finalmente cabe remarcar que los semiconductores ofrecen una mayor fidelidad, pero el sonido que nos ofrecen las válvulas tiene mas calidad musical, aunque sea menos perfecto. La discusión de que es lo mejor, puede ser muy complicada cuando entramos en el terreno de la subjetividad, en cambio los aspectos técnicos se pueden medir y nadie los discute. Pero como en definitiva, el sonido es para escucharlo, se ha de intentar entrar en lo menos posible en los aspectos técnicos. El comportamiento no lineal y teóricamente imperfecto quedan de sobras compensados con los resultados de sonidos mucho mas musicales y atractivos en cuanto a la tonalidad. Un solo circuito con una sola válvula puede dar un gran carácter y color al sonido. Ni siquiera un complejo circuito digital es capaz de emular al 100 % el comportamiento de una válvula.

Adios Ronnie Dio

Después de librar batallas épicas en el escenario cuando formo parte de rainbow, black sabbath, y como solitario. El pasado domingo 16 de mayo ronnie james dio perdió la batalla contra el cáncer de estomago de la cual estaba recuperándose pero no pudo sobreponerse .
Todos los fans y el mundo del heavy metal se ha consternado y expresado su inmensa tristeza con la perdida de uno de los héroes mas grandes que nos dio el el heavy metal, su perdida deja en los escenarios en los corazones de los admiradores del genero mas grande del mundo un gran vacio que nadie podrá ocupar jamás.

Dio el mundo llora tu muerte tu nos diste a los metaleros una señal de batalla llamada el maloik, que muchos tratan de imitar en sus géneros pero tu nos la regalaste como fan de tu música es triste decir estas noticias pero aun que dio ya no esta en este mundo terrenal su música vivirá para siempre con nosotros requiescat in pace ronnie james dio(1942-2010) nunca te olvidaremos
.

Crónicas: Tony Iommi el gran hacedor de riffs

El guitarrista de Black Sabbath fue el primero en el lado oscuro de la fuerza. Con la edición de su primer larga duración en 1970, la formación liderada por Ozzy Osbourne comenzaba a dictar las bases del Heavy Metal.
Una corriente estilistica surgida por la selección natural a partir de la evolución del blues-rock eléctrico, tan de moda en los sesenta. 

Apoyandose en una pesada sección rítmica y una guitarra realmente desgarradora tocada a niveles de volumen más brutales, que nadie había oido jamás, Black Sabbath consiguieron que la oscuridad y el barroquismo entraran en el mundo del rock. Iommi siempre a confesado que el punto de inflexion en su concepción musical se produjo el día en que se mutiló dos dedos de la mano izquierda en un accidente laboral. Un hecho que le hizo temer lo peor respecto a su carrera. Aunque Iommi pudo continuar con su gran pasión, este hecho hizo que tuviera que cambiar la manera de tocar la guitarra, (tuvo que diseñarse unas protesis para alargar los dedos amputados y poder digitar con un mínimo de soltura, otra consecuencia tambien fue tener que afinar la guitarra tres semitonos mas bajo para eliminar tensión a las cuerdas y poder estirarlas con mayor facilidad). Todo esto creó un sello propio, claramente visible en temas como Paranoid o Iron Man, a partir de los cuales se ha ganado la reputación de ser el más grande creador de riffs de todos los tiempos.




Heaven and Hell Live Radio City Music Hall 2007

Vuelve Megadeth a la Argentina


Así es, el 28 de Abril vuelve la sinfónica del colorado a Bs As. Esto es confirmado 100 %, tal como lo anunciaron en el programa Apagá la Tele (Rock and Pop). Por ahora es toda la data que hay, no se sabe si habrá otra fecha, ni donde será esta del 28 (suponemos que en Luna Park). Ni bien tengamos la información, será publicada.

Por el momento el tour de “Endgame” (así está anunciado en el web site de Megadeth) por Sudamérica sería así:

Abril

17 Mexico City, Mexico Sports Palace
24 Sao Paulo, Brasil Credicard Hall
26 Porto Alegre, Brasil Pepsi on Stage
28 Buenos Aires, Argentina
30 Santiago, Chile Movistar Arena

Mayo

2 Lima, Peru Explanada del Monumental
6 Caracas, Venezuela CIEC Metropolitan University
13 Guatemala City, Guatemala Mundo e Pavillion

Opinión: la decadencia de MTV

Cuando en octubre del 93, nace la señal MTV para América Latina, que iba a reemplazar la señal internacional que contaba con solo unas horas para el público en español, a penas llegaba a 1 millón de suscriptores. 15 años después, la señal llega a más de 10 millones, sin embargo, ha cambiado mucho su programación desde aquellos días.

La señal de MTV Latino significó un hecho importante dentro de la industria musical regional ya que hasta ese entonces no existía un único medio que transmitiera para toda la región. Habían solamente medios que transmitían desde un país y llegaban hasta donde su influencia permitiese. La señal para quedar la neutralidad eligió Miami como centro de operaciones.
Mucho se decía de la música que sería el centro del canal. ¿Gloria Estefan?¿Juan Luis Guerra?¿Julio Iglesias? Latinos y supervendedores, ¿no? Pero la señal optó por transmitir música pop-rock en español, sumado obviamente a los videos anglo.
Debido a que la MTV yankee tenía tendencia alternativa, la latina también se enfocó por ese rumbo y daba chance a bandas que hasta ese entonces y en otro medio de gran envergadura no la hubieran tenido. Lo bueno fue que pese a que siguió una receta (franquicia) similar a la señal madre, no la imitó sino que buscó cierta originalidad y fomento de identidad. Es por eso que bandas como Café Tacuba y Los Fabulosos Cadillacs encuadraron muy bien dentro de lo que proyectaba la señal.
Algunos ilusos creyeron que como las bandas latinas tenían sus videos en la señal, entonces era muy sencillo que tuvieran oportunidad para ser oidos por los del norte. Ilusos, porque no se dieron cuenta que la señal era especializada y hecha para un público latinoamericano. Muchos en la industria empezaron a apostar por ese rumbo y se manejo mucho dinero y promoción de estas bandas en los Estados Unidos. Años 95, 96, 97...La escena tenía propuesta pero aún eso no basta para poder romper los paradigmas de lo estereotipado que puede ser una banda latinoamericana.

MTV rotaba constantemente los videos de grupos que valían la pena, ya por el 98, MTV da una medida mortal para lo que significaba la escena, la división en señal para México y Argentina, para "celebrar" el hecho se hacen dos unpluggeds para cada señal: la de Santa Sabina y los Ratones Paranoicos. Aunque para la gente que quería más bandas nacionales (de su respectivo país) era una noticia genial, la verdad es que empieza a desfragmentarse lo que parecía una sola escena latina. Pero la verdad en ese entonces, ya desde los Estados Unidos, habían otras tendencias: lo alternativo ya no era lo fresco, llegan masivamente bandas juveniles de pop vocal para chicas quinceañeras, y luego también Brtiney Spears.

La tendencia pop no tardaría en calar en Latinoamérica. Bueno, en realidad, siempre estuvo aquí, solo que durante la década no le había quitado el espacio a las bandas de rock en español y alterlatino, por lo que siempre hubiera un sitio para todo y se pueda cultivar la diversidad no había mayor problema. Sin embargo, esta vez la industria musical quería usar a MTV como plataforma para lanzarlo a nivel mundial, básicamente en Estados Unidos. Precisamente lo que no pudo funcionar con el rock latino se quería hacer con el pop. MTV inicia una transición con el unplugged de Maná (y con el cual los discos de esta serie empiezan a tomar las listas de Billboard USA), pero el caballito de troya era Ricky Martin, quien ya había cosechado muchos triunfos pero no tenía su número en el país del norte.
El rock en español queda relegado aunque jamás perdió su lugar completo en la señal. El problema fue que la regionalización benefició a las bandas de pop que eran las que si se podían ver en las 3 señales (nació MTV Central, con sede en Chile -actualmente en Colombia-). Lo peor será que el canal se diseñó para fanclubs y cada vez menos para los interesados en música. Programas que medían la popularidad de los artistas solo programaban artistas efímeros, sumado a otros programas que aclamaban la banalidad.

El siguiente problema nace a partir del 2001 (y cada año más intenso) y se trata de la pérdida de horas dedicada a la transmisión de videos por programas de otra índole (el cual siempre hubo pero estaban indirectamente relacionados con los videos clips). Lamentablemente, la señal dirigió la media de su audiencia a chicos de 13 años (sin ánimos de ofender a los púberes) y perdió algo de interés por ofrecer una buena paleta musical. Ironicamente, seguía vendiendo ese aire de "rebeldía" que siempre vende, pero esta vez con un culto a lo obsceno como entretenimiento.

Artículos: Yngwie Malmsteen


Heredero de los devaneos neoclásicos de Ritchie Blackmore, la imagen y la fuerza de Hendrix y devoto de Bach, Bethoven y Paganini, Malmsteen es sin duda alguna el responsable directo de la llamada escuela neoclásica y uno de los guitarristas más influyentes de los ultimos años. Cuenta con una autentica legión de imitadores como Tolkki, Roland Grapow, Impellitteri, etc, y es sin duda abanderado de un movimiento que compartieron músicos como Vinnie Moore, Tony MacAlpine, Marty Friedman y Jason Becker.

Malsmteen supuso una revolución técnica, como la que en su día supuso Eddie Van Halen y pocos son los guitarristas contemporaneos (amantes de la distorsión) que de una u otra manera no se hayan visto influenciados por la manera de tocar de Yngwie.
Tambien procede de la factoría de Mike Varney (sin duda uno de los grandes descubridores de talentos del siglo XX), y comenzo su andadura de la mano de Grhan Bonet, en Alcatraz. (Steve Vai fue su sustituto cuando se marchó). Tras el abandono de esta banda, comenzo se carrera solista con Rising Force, formación hecha a su medida y en la que podrá desarrollar todo su ideario musical, dejando algunos L.P. memorables como Rising Force, Odysey o Trilogy, solo por los cuales ya merece un puesto de honor entre los mejores.

Reseñas: David Gilmour Live Royal Albert Hall DVD

Este DVD fue una excelente noticia con un muy buen resultado. Se trata ni más ni menos que de la presentación del disco On an Island, de David Gilmour, en el Royal Albert Hall. A decir verdad, se podría decir que es casi Pink Floyd, sin Nick Mason y sin chiquicientos millones de dólares de producción, tocando el disco floydiano de Gilmour y haciendo un repertorio poco habitual de la historia de la banda, ya sea en el concierto como en los extras.

El sonido e imagen son perfectos, al igual que las interpretaciones de los temas. La banda es la de Floyd en vivo de siempre con los agregados del ex Roxy Music, Phil Manzanera y el baterista DiStanislao. Gilmour comparte el protagonismo con sus invitados y con Richard Wright. Al no tratarse formalmente de Pink Floyd, se permite otros gustitos como invitar a tres viejos del rock como son David Crosby, Graham Nash y Robert Wyatt. Los dos primeros proveyendo excelentes armonías vocales a los temas en los que participan, mientras que el ex Soft Machine y, desde hace años, poeta alternativo del rock, aporta un extraño solo de corneta. David Gilmour se da también el gusto de tocar el saxo en vivo, probablemente teniendo en cuenta que nadie lo llamaría para ello...

Lo interesante es que On an Island es la introducción a casi cuatro horas más de material musical que incluye joyas de toda índole. Para no dejar dudas sobre si se trata o no de Floyd, comienzan por tocar los tres primeros temas de The Dark Side of the Moon en versiones, como siempre, perfectas. Luego, On an Island completo, mucho mejor que el disco, al cual nos referimos oportunamente en este site, para despacharse luego con la primera mitad del fantástico Shine On You Crazy Diamond en una excelente versión con Crosby y Nash haciendo maravillas. Es turno de la primera sorpresa: desde Atom Heart Mother se despachan son Fat Old Sun, un tema en principio melancólico, con Gilmour en acústica, John Carin en lap steel y Wright en órgano, que se desata en una furiosa balada a las órdenes de un brillante solo del David. Pasan dos de los temas más interesantes de The Division Bell en correctas y sentidas versiones, para dar lugar a lo mejor de todo el set: Echoes completo, en una versión potente; sin llegar a la de Live at Pompeii, pero con un sonido extraordinario y sin ningún corte. ¡Qué tema! Para mí el primer gran tema de Floyd, en el cual definen su sonido y gran parte de su estilo en casi todas sus variantes. Un lindo detalle es ver a Wright achinando sus ojos tratando de leer el papel que tiene pegado en su teclado, apuntando con su dedo índice, con muy poca luz, cual señor mayor que es, para saber qué banco de sonidos va a poner en Echoes, justo antes de empezar. Esta versión tiene algunos cambios respecto de la original, que la hacen más interesante. Una de ellas es el excelente solo de Gilmour con aires funk, oscuros pero funk, mientras Manzanera hace el comping que originalmente hacía Wright y lo libera para hacer ocho y ocho con Gilmour, en la parte que su guitarra suena casi a motosierra por la enorme distorsión, de la cual se las ingenió siempre para sacar un sonido cortante.
Find the Cost of Freedom es un tema del primer disco de Crosby, Stills & Nash; aquí Gilmour hace de Stills junto a Crosby y Nash a capella, en un minuto diez segundos de antología.
Y entra a la cancha impensadamente David Bowie para cantar Arnold Layne, haciendo del desaparecido Syd Barrett a pura psicodelia. Suena entre inocente, naif, irreverente y rebelde. En Bowie dieron con la persona indicada. Y el mismo Bowie se apropia de Comfortably Numb, tema que uno puede escuchar mil veces y te emociona mil y una veces. Hasta aquí el DVD 1 y el show completo en el Royal Albert Hall.

El DVD 2 comienza con bonus tracks desde el mismo recinto en el que parece ser otro show. El primer tema proviene del atípico disco y banda de sonido, Obscured by the Clouds; y es Wot´s… Uh The Deal. Siguen las sorpresas con un tema de Barrett, Dominoes, una rareza con un solo de guitarra al revés, psicodelia melancólica. Vuelven a The Division Bell con Wearing the Inside Out, con un muy climático solo de Dick Parry; sí, es aquel histórico saxofonista asociado a Floyd. Lamentablemente, no sólo la cara se le ha gastado con el tiempo a Richard Wright, su ya desde un comienzo escasa voz, se ha vuelto muy escasa y en este tema se nota mucho. Un poco menos sucede en las versiones alternativas de Arnold Layne y Comfortably Numb, que lo tienen de protagonista vocal. Un vocoder no hubiera estado de más.

Luego viene Dark Globe, grabado de la gira que muestra a Gilmour solo con su guitarra acústica, haciendo este tema de Barrett, folk y triste. Sigue una excelente versión de Astronomy Domine. Tema ácido, en todo sentido, si los hay.
This Heaven, grabado en las sesiones AOL, muestra por separado uno de los puntos fuertes de On an Island con un sonido más redondito que en el concierto, pero casi idéntico. Le siguen para completar versiones alternativas de otros cuatro temas del mismo álbum, más otra versión de High Hopes.
Para cerrar la parte musical, se incluye una improvisación en los estudios The Barn (el granero), intitulada Island Jam 2007, un blues floydiano que muestra en qué malas condiciones graban los pobres...

Los documentales son sobre la gira y la realización del disco.

Cabe decir que el set está perfectamente armado, ningún tema desentona, ni aún los covers, todos tienen un lado intimista, melancólico y ácido.
Éstos son unos de los pocos tipos que saben que en el rock, muchas veces, menos es más; cuando se gana en potencia es fundamental ser limpio o, en su defecto, aprovecharse del caos.

Crónicas: Pantera, 18 años de "Vulgar Display of Power"

Se cumplieron los 18 años de la salida al mercado de Vulgar Display Of Power (Atco, 1992), poco más de cinco años del asesinato de Dimebag Darrell. El tiempo pasa rapidísimo yPantera siguen siendo un referente cuando hablamos de metal contemporáneo. Los texanos habían sacado la cabeza, y de qué manera, con Cowboys From Hell (Atco, 1990), un álbum con el que se colocaron en el mapa y se convirtieron en una banda influyente. Antes, habían hecho un recorrido incierto que comenzó en 1981 dentro del glam y hair rock y viró, coincidiendo casi con la entrada de Phil Anselmo, hacia el groove metal y el thrash en 1987. Yo llegué a ellos a través de una versión de ‘Planet Caravan’, de Black Sabbath, que me encontré en un bootleg pirata en 1990. Ahí estaba todo lo mejor de Cowboys From Hell: el tema titular, ‘Psycho Holiday’ o ‘Cemetery Gates’, y a partir de entonces, Pantera fueron favoritos en mi discoteca.
La potencia de la banda, el groove vocal de Phil Anselmo, una auténtica fiera, unido a los riffs aplastantes de Dimebag Darrell, sin dejar de mencionar la proteica sección rítmica de Rex Brown y la batería de Vinnie Paul, me resultaron tremendamente atractivos. Pero la apoteosis surgió dos años más tarde con el disco que nos ocupa: Vulgar Display Of Power, para mí uno de los 10 mejores discos de la historia del metal. ¡Y qué portada tan impactante lleva! Ahí, Pantera rompieron el molde. Experimentaron, controlaron la potencia pero no la rabia, y se dejaron llevar en el estudio a las órdenes de Terry Date; y dieron a luz una obra maestra. Quién no ha movido la cabeza con ‘Fucking Hostile’, o ‘Mouth of War’.‘Walk’ y ‘Hollow’ además son dos de mis canciones preferidas de toda la historia del grupo. Por cierto, según el Facebook oficial de Pantera: Cowboys From Hell, Vulgar Display Of Power y Far Beyond Driven serán reeditados el 17 de abril en doble vinilo, éste último con la portada original, que fue censurada posteriormente. 

Entrevistas: Joe Bonamassa

Les dejo esta entrevista hecha por la gente de LH Magazine TV (España) a este gran guitarrista que está pegando fuerte en la escena de blues de todo el mundo, Joe Bonamassa. Traducida al español, sin desperdicio.

Para apreciar mejor los subtitulos ver el video en pantalla completa.

Crónicas: Jimi Hendrix Experience


1966 fue el año del giro definitivo para Hendrix. Durante una noche en el Cheetah Club, ubicado sobre la West 21st Street, el guitarrista conoció a la entonces novia de Keith Richards, Linda Keith. Los dos se hicieron rápidamente amigos y Linda se esforzó para presentarle a Andrew Loog Oldham, manager de los Rolling Stones, y al productor Seymour Stein. Ninguno de los dos recogió una impresión positiva del encuentro y - con gran desilusión de Hendrix - toda prospectiva de inserimiento se esfumó. Lejos de perder los ánimos, Linda insistió en presentarlo a Chas Chandler, en la época bajista del grupo Animals. El encuentro esta vez resultó fructuoso. En aquel periodo Chandler se encontraba próximo a concluir su historia con los Animals y estaba en busca de detalles para redefinir su propia situación como productor y manager; después de un breve encuentro, Chandler comprendió que Hendrix tenía buenas perspectivas por delante y se convenció a sí mismo del hecho de que una versión de un blues de Billy Roberts, Hey Joe, propuesta según el estilo agresivo con fuzz que el guitarrista le había ilustrado podía convertirse en un "single" de lanzamiento.

Hendrix se esforzó en buen grado para elaborar una versión propia de Hey Joe; el resultado entusiasmó a Chandler hasta el punto de inducirlo a llevar al guitarrista a Londres para firmar un contrato con el soporte del manager saliente de Animals, Michael Jeffrey. El paso sucesivo tenía que ser el de acercarle algunos músicos adecuados al nuevo sonido que tenían en mente. Después de algunas audiciones se decidió en estructurar la formación sobre un modelo power-trio (en la época muy de moda, visto también el éxito de los entonces recién nacidos Cream) y los personajes elegidos para ese fin, ambos ingleses, fueron el guitarrista Noel Redding, relegado al bajo y el pirotécnico baterista Mitch Mitchell.

Había nacido la Jimi Hendrix Experience.

Nuevo producto: Marshall JMD:1

El amplificador cuenta con un preamp digital que utiliza la tecnología ‘Natural Harmonic Technology’ creada por la compañía sueca Softube y utiliza válvulas EL34. El JMD:1 se ofrecerá en modalidades de cabezal de 100w, 50w, combo de 100w 2×12 y combo de 50w 1×12.

Marshall pretende con esta serie de amplificadores fusionar los beneficios de la tecnología gracias a su preamp y efectos digitales con el sonido tradicional a válvulas logrado por las EL34.

Si acceden a la web de Marshall encontraran más información y algún que otro vídeo de las características de estos amplificadores.


Les dejo un video sobre el nuevo producto.

Slash: nuevo trabajo

Slash (GUNS N" ROSES, VELVET REVOLVER) pondrá a la venta su disco en solitario titulado de forma muy original "Slash", el próximo mes de Abril a través de Roadrunner Records en el caso de Europa. En Norteamérica, se hará cargo de su publicación EMI Label Services.
"Slash" tendrá el siguiente listado de canciones y los siguientes invitados:

01. Ghost (Ian Astbury)
02. Beautiful Dangerous (Fergie)
03. Nothing To Say (M. Shadows de AVENGED SEVENFOLD)
04. Crucify The Dead (Ozzy Osbourne)
05. Promise (Chris Cornell)
06. By The Sword (Andrew Stockdale de WOLFMOTHER)
07. Doctor Alibi (Lemmy Kilmeister)
08. Saint Is A Sinner Too (Rocco De Luca)
09. Watch This (Dave Grohl/Duff McKagan)
10. I Hold On (Kid Rock)
11. Gotten (Adam Levine)
12. We"re All Gonna Die (Iggy Pop)
13. Starlight (Myles Kennedy)

En una versión especial, se incluirá dos bonus track, el tema "Baby Can"t Drive" (con Alice Cooper y Nicole Scherzinger) y la versión de GUNS N" ROSES "Paradise City" (interpretada por Fergie y CYPRESS HILL).

‘By The Sword,’ con una colaboración de Andrew Stockdale, cantante de los Wolfmother, esta disponible aquí abajo.

Click acá para escuchar.

Slash sacará su próximo álbum en solitario el 5 de abril de 2010 con Roadrunner Records.